71. Internationale Filmfestspiele von Venedig, Venedig Lido, Italien 28. August - 6. September 2014 Von Rossella Valdrè und Elisabetta Marchiori, Italienische Psychoanalytische Gesellschaft Englische Übersetzung von: Flora Capostagno Einlesen Italienisch

"Kunst ist subversiv, weil sie mit dem Unbewussten verbunden ist.
Je mehr ein Film mit dem Unbewussten verbunden ist, desto subversiver ist er. Wie Träume sind ".
(David Kronenberg)

Zum zweiten Mal in Folge nahmen Psychoanalytiker der Italienischen Psychoanalytischen Gesellschaft (Rossella Valdrè, Elisabetta Marchiori und Massimo De Mari), die eine Leidenschaft für Kino und Psychoanalyse teilen, an der 71. Ausgabe der Internationalen Filmfestspiele von Venedig teil, einer kulturellen Veranstaltung von weltweiter Resonanz und senden täglich einen "Live" -Kommentar zu den gesehenen Filmen - mit ihren Eindrücken und Empfindungen der allgemeinen Atmosphäre - an die Website unserer Gesellschaft (www.spiweb.it ).

Wir sollten uns daran erinnern, dass Kino und Psychoanalyse ein untrennbares Schicksal zu teilen scheinen: Sie wurden Ende des letzten Jahrhunderts zusammen geboren. Seitdem ist die Magie des Kinos, seine Fähigkeit, den Traum und die innere Welt der Menschen darzustellen, für die Psychoanalyse von besonderem Interesse. Das eine nährt das andere: Wir stimmen Cronenberg darin zu, dass das Kino als Psychoanalyse von Natur aus ein „subversiver Akt“ ist. Ungebunden vom gesunden Menschenverstand ist es mit dem Traum verbunden: Es muss die Realität darstellen, aber auch umgestalten, um sie durch die persönliche Erzählung des Regisseurs, das spezifische Gesicht des Schauspielers, besonders und poetisch zu machen. Ich kann hinzufügen, dass diese magische Atmosphäre bei anderen Kinofestivals, die immer ausgezeichnet waren, durch die Einzigartigkeit des Lido von Venedig, einer in der Lagune schwebenden Insel, unterstrichen wird. Eine Position „in der Schwebe“, die Bildern einen leichteren Zugang zum Unbewussten zu ermöglichen scheint.

Fahren wir mit dem diesjährigen Festival fort. Zum ersten Mal ist der Präsident der Jury ein Musiker, Alexandre Desplat, ein französischer Soundtrack-Komponist von internationalem Ruf, der seine Preisverleihung mit dem französischsten Ausdruck abschloss: Vive la musique! Vive le cinéma!

Wie immer ist der Kalender reich und abwechslungsreich und bietet ein Szenario der Filmkunst aus aller Welt: Fünfundfünfzig Filme wurden präsentiert, von denen zwanzig im Wettbewerb stehen, plus vierzehn Kurzfilme und neunzehn restaurierte Klassiker (von denen der Preis an Una geht giornata partolare von Ettore Scola, 1978 Oscar für den besten Regisseur und den besten Schauspieler). Letztere sind mehr als nur eine Hommage an die Vergangenheit: ein ernsthafter Beitrag zur Rettung von Meisterwerken, die vom Vergessen bedroht sind, ähnlich wie die Wiederherstellung der durch die Psychoanalyse betriebenen entfernten.

Es ist unmöglich, alle besprochenen Filme aufzulisten, und ich werde mich auf den Eröffnungsfilm beschränken, den viel geschätzten Birdman von Alejandro G. Iñárritu, gespielt von Michael Keaton; Hungry Hearts von Saverio Costanzo, dessen Schauspieler Alba Rohrwacher und Adam Driver unter den rund zehn italienischen Filmen sowohl im Wettbewerb als auch außerhalb des Wettbewerbs die Coppa Volpi als beste Schauspieler erhalten, die dunkle Familiensaga von Anime Nere. Dann die rührenden biografischen Hommagen an zwei berühmte Namen italienischer Literatur und Poesie, Pasolini von Abel Ferrara und Giacomo Leopardi von Il giovane favoloso von Mario Martone. Ein Fresko der gesamten Bandbreite menschlicher Emotionen und damit der psychoanalytischen Sichtweise zutiefst nahe: Hungriges Herz und dann eines der Geschichte mit dem Prächtigen Der Blick der Stille von Joshua Oppenheimer, der den unterschätzten Völkermord an Indonesien aufdeckt und den Preis der Großen Jury gewinnt (in die emotionalen Worte von Tim Robbins, „ein echtes Meisterwerk“); das Unwohlsein der heutigen Familie und unserer Kinder, die ihre Entfremdung zeigen (I nostri ragazzi); unverwechselbare gesellschaftspolitische Realitäten (vom italienischen Süden in Anime Nere, Belluscone bis zu den verschiedenen orientalischen Filmen, die ausgezeichnet wurden); die Geschichten von Kindern und Jugendlichen (Terre Battue, Le Dernier Coup de Marteau, Sivas, Niemandes Kind, Theeb); das skrupellose globalisierte Wirtschaftsuniversum (99 Hommes), die irreduzible Nostalgie des israelisch-palästinensischen Dramas (Villa Touma, eine rein weibliche Interpretation) oder die Einsamkeit (Manglehorn).

Ernst und von hoher Qualität sind die Adjektive, die die diesjährige Auswahl an Filmen auszeichnen: Alle, wie Alexandre Desplat betont hat, wurden aus Werken ausgewählt, die politisches und soziales Engagement sowie Humanismus und Poesie umfassen.

Humanismus und Poesie. "Kino aktiviert das Kind in uns", wie Saverio Costanzo es ausgedrückt hat. Vielleicht der Goldene Löwe für den Schweden Roy Andersson. Eine Taube saß auf einem Ast und dachte über die Existenz nach. Ähnlich wie der Silberne Löwe für den Russen Končaloski für Die weißen Nächte des Postboten spiegelte der Wunsch wider, die poetische Seele des Kinos, seine mythischen Märchenqualitäten, zu privilegieren. sowie um das Drama und Elend der Menschheit hervorzuheben. Selbst in der treuesten Darstellung der Realität ist Kino niemals eine einfache Reproduktion: Es ist die poetische Figur des Autors, die die Realität in Kunst umsetzt.

Ich möchte die Originalität der Initiative, auch des Tribeca Film Festivals, hervorheben, die vom SPIWEB Editorial Board unterstützt und von PR Goisis koordiniert wird, der für den Kinobereich verantwortlich ist.  http://www.spiweb.it/index.php?option=com_content&view=categories&id=380&Itemid=449

Dies ist eine Berichterstattung im Reporterstil, deren psychoanalytischer Inhalt weit entfernt von Sesselpedanterien und in die lebendige Seele des Kinos geht und die die vergängliche Seite der Show, den Nervenkitzel und den Spaß des Wettbewerbs mit seinem wohl regressiven Aspekt (aber) von ganzem Herzen aufgreift Hat das Kino nie einen regressiven Vorteil?). Dann, nach dem Trubel, die Analyse.

Mit dem Abschluss des Festivals, wie es am Ende eines Analyseprozesses geschieht, wird jeder Film seinen Weg finden, hat sein eigenes Leben, teilweise unvorhersehbar. Als ob der Patient von seinem Analytiker „vergessen“ und in die Welt entlassen wird.


Der Gewinner des Goldenen Löwen bei den Internationalen Filmfestspielen von Venedig: Eine Taube saß auf einem Ast und dachte über die Existenz nach

Rossella Valdré

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„Irgendwie scheint es meinen Kopf mit Ideen zu füllen…
nur ich weiß nicht genau was sie sind “
(Lewis Carroll)

Der Gewinner des Goldenen Löwen für den besten Film der 71. Internationalen Filmfestspiele von Venedig ist Eine Taube, die auf einem Ast saß und über die Existenz nachdachte. Der letzte Teil der Trilogie des schwedischen Regisseurs Roy Andersson "über das Menschsein", der enthält Songs aus dem zweiten Stock (2000) und You, the living (2007). Als Andersson die Auszeichnung erhielt, sagte er: "Ich bin sehr bewegt, der Grund, warum ich Regisseur wurde, ist meine Liebe zum italienischen Kino", unter Berufung auf De Sicas Fahrraddiebe. Er fügte hinzu: "Ihr Italiener habt einen guten Geschmack", auch wenn das Risiko besteht, dass Italiener seinen Film niemals in ihrem örtlichen Kino sehen, da er derzeit nicht für den Vertrieb vorgesehen ist. Dies ist eine Art Ironie, die dem trostlosen Gefühl der Frustration entspricht, das sich durch die Reflexionen der "Taube" zieht.

Der Film besteht aus neununddreißig statischen Aufnahmen, einer einzigen unmerklichen Bewegung der Kamera, die von Titelkarten kommentiert wird. Neununddreißig Fenster in den menschlichen Zustand. Neununddreißig Bilder, wunderbar gerahmt, von denen ein lebhaftes Licht ausgeht, das das Publikum mit der Schärfe seiner Profile, der Perfektion, mit der die Figuren umrissen sind, dem Hintergrund trifft. Jedes Detail ist eine Notwendigkeit, jede Bewegung der Charaktere hat einen Sinn, jede gelieferte Zeile enthält Schichten direkter und indirekter Botschaften, die das Publikum auf einer bewussten und unbewussten Ebene einbeziehen. Jede Szene ist gleichzeitig von roher und grausamer Realität und gleichzeitig Abstraktion und Metapher. Jeder Schuss ist mit Humoir Noir gesättigt, was das Lachen zwischen zusammengebissenen Zähnen erzwingt.

Die erste Szene, die den Titel inspiriert, handelt von einem Mann, der benommen auf eine ausgestopfte Taube in der Vitrine eines staubigen Naturkundemuseums starrt, während seine Frau ratlos auf ihn wartet. Danach: Ein Mann stirbt an einem Herzinfarkt, während er versucht, eine Flasche Wein zu öffnen. Das Hinken von Lotta von Göteborg singt nach der Melodie von Ruhm, Ruhm, Halleluja über Grappa, das im Austausch gegen Küsse serviert wird. In einer Bar am Rande einer abgelegenen Stadt reitet König Karl XII. mit seinen Soldaten zu Pferd, um gegen die Russen zu kämpfen, und will den jungen Kellner in sein Zelt bringen. Soldaten aus der Vergangenheit zwingen eine Gruppe von Eingeborenen in einen großen Container und rösten sie; eine Flamenco-Stunde, in der der Lehrer einen jungen männlichen Schüler belästigt. Dies und mehr sind die Charaktere, die nacheinander folgen, kommen und gehen, manchmal mit Titelkarten, in den kurzen Szenen, die theatralischer Natur sind.

Die emblematischsten Figuren, die zurückkehren und diesen scheinbar unverbundenen Fragmenten der Welt Kontinuität verleihen, sind zwei Verkäufer des "Unterhaltungssektors". Sie sehen ungepflegt, grau, unerschütterlich mit aschfahlem und ausdruckslosem Gesicht aus, das versucht, an unwahrscheinliche Käufer "Vampirzähne mit extra langen Eckzähnen, die klassische Lachtasche" und ein neues Produkt zu verkaufen, an das wir wirklich glauben, eine Maske eines Onkels mit nur einem Zahn". Ein weiteres wiederkehrendes Merkmal ist der Satz, den der eine oder andere der Charaktere am Telefon sagte: "Ich bin froh zu hören, dass es dir gut geht. Ja, ich sagte, ich bin froh zu hören, dass es dir gut geht." Der Gesprächspartner ist das Publikum. Wir sind diejenigen, die fragen: "Entschuldigung, was haben Sie gesagt?" Und die Antwort hören: "Ja, ich sagte, ich bin froh zu hören, dass es Ihnen gut geht." Herum ist völlige Trostlosigkeit.

Auf diese Weise zitiert Andersson das deutsche expressionistische Kabarett, Brecht, Beckett, Valentin, Buñuel, die Gemälde von Hopper und Bruegel, die Fotografie von Olaf und er fasst sie in einer originellen und strengen filmischen Form neu zusammen.

Während der Vorführung fühlte ich mich wie Alice durch den Spiegel (durch den Spiegel und was Alice dort fand, Lewis Carroll, 1872), wo alles vertraut ist und gleichzeitig auf den Kopf gestellt und rückwärts gedreht wurde. Danach dachte ich, dass diese Assoziation nicht so weit hergeholt war. Carroll war ein Genie des Unsinns und diese Arbeit wurde als "eine Bibel des Absurden", "eine Sage des Unbewussten" beschrieben, mit einer Menge äußerst attraktiver Symbole, die für den Psychoanalytiker vielleicht zu attraktiv sind, wie in diesem Film. Sein größtes Verdienst ist es, uns in ein kreatives Spiel (Winnicott, 1971) zu lassen, in dem die Realität (intern und extern) eine gemeinsame Produktion des Künstlers und des Publikums ist, wie es in der analytischen „Einstellung“ geschehen sollte. Eine Produktion, die immer wieder überrascht, wie in "der für Ironie charakteristischen Doppelvision / Realität" (Sacerdoti, 1987), mit der der Film imprägniert ist.

Elisabetta Marchiori