Jahr der Kurzfilme

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Das IPA in Culture Committee will 2021 a Jahr der Shorts. Jeden Monat senden wir Ihnen einen Link zu einem Kurzfilm mit einer kurzen Beschreibung und einigen persönlichen Gedanken zur Wertschätzung. Die Shorts werden von Mitgliedern des IPA in Culture Committee ausgewählt und Ihnen präsentiert. Nehmen Sie sich ein paar Minuten Zeit, um diese Kurzfilme anzusehen, und lassen Sie sich berühren, verwirren, verzaubern, faszinieren, bewegen oder inspirieren. Es ist keine Arbeit erforderlich, keine besondere Bedeutung. Es wird nur ein privater Moment der Entdeckung für Sie sein.
 
Cordelia Schmidt-Hellerau
Vorsitzender des IPA in Culture Committee 

 

Dezember: Bill Viola, The Reflecting Pool, 1979

„Kameras sind Bewahrer der Seele“, sagt der Videokünstler Bill Viola, dessen Arbeit Themen wie Leben, Tod und Aspekte des Bewusstseins behandelt. Den Reflecting Pool zu sehen, ist eine Überlegung - ich denke an den Tag, an dem er kam und in der Nähe des Wassers stand, wo ich ihn sah, verdoppelte sich in seinem Spiegelbild, stand nur eine Weile da und dann - ist er gesprungen oder nicht? Ich kann mich nicht entscheiden, weil alle Bewegungen gefroren sind und das Wasser an diesem Spätsommertag still stand, als er verschwand ... Aber ich sehe ihn immer noch dort, werde es immer tun, ich wollte ihn sogar wieder auf mich zukommen sehen, mit ihr auf der anderen Seite Seite des Pools - oder war es nur sein letztes Spiegelbild des dunklen Wassers, wie ein Licht, das durch die Nacht scheint -, aber dann sah ich ihn wieder, nicht wahr? Ich verließ den Pool und verschwand und drehte mich vom Wasser weg. während des Aufenthalts bleibt immer das Spiegelbild, an das man sich erinnert. Ausgewählt und kommentiert von Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston

September:  Feuer (Pozar) von David Lynch, 2020

David Lynchs Skizzen für den Kurzfilm „Fire (Pozar)“ wurden von Noriko Miyakawa animiert und vom polnisch-amerikanischen Komponisten Marek Zebrowski vertont. Was wir sehen, ähnelt der Erde mit ihren Feldern, Häusern und Körpern, aber ihre Standorte sind nur durch bestimmte kulturelle Merkmale lokalisiert, wie Theaterbühnen, Kinderzeichnungen von Bäumen und Häusern, euroamerikanische Gebäude. Eine humanoide Figur mit einem grotesken Schlund zündet ein Streichholz an, das ein Loch verbrennt, durch das sich eine wurmartige Kreatur windet. In diesem Film sind die Eigenschaften von Dingen und Körpern fließend; Oberflächen werden erst nach der Permeation zu Membranen, die Textur wird erst zur Haut, nachdem die Kamera / der Blick ihre Distanz genommen hat. "Feuer (Pozar)" scheint genau das zu sein, was die meisten Kommentatoren denken: katastrophal, apokalyptisch, schrecklich, schwer. Der Zeitpunkt seiner Wiederveröffentlichung im Jahr 2020 scheint diese Behauptung zu stützen, jetzt, da die wirklich großen Brände (Australien, Kalifornien, Arktis) beginnen und die letzte Wildnis der Welt von der zahnigen Gier der Lynch-Schurkerei verzehrt wird ( autoritärer Kapitalismus im Spätstadium), und Kinder sterben überall nach einem kurzen albtraumhaften Leben voller Gewalt, Ausbeutung und Entbehrung. Vielleicht ist jedoch nicht alles verloren. In dem Film reichen schwarze Arme nach oben, um die Augen eines weinenden Kinderkopfes zu bedecken. Die Arme sind glatt, nicht körnig wie der Rest des Films und beziehen sich stilistisch auf die Klarheit der Form, die für so viele zeitgenössische Animationen charakteristisch ist. Dieser Akt der Fürsorge ist ein Geschenk eines bestimmten künstlerischen Stils, eine Art kreative Intervention, die sich in ihrer kurzen Geschichte für die Wiederbelebung, die Auferstehung von den Toten und die Wiederzusammenstellung von zerquetschten oder zerstückelten Körpern eingesetzt hat. Wenn die schöpferische Vorstellungskraft nichts garantiert, besonders in den dunklen Zeiten, für die auch sie Verantwortung trägt, verspricht sie auch alles. Lesen Sie mehr hier Ausgewählt und kommentiert von Aranye Fradenburg Joy, Santa Barbara, USA  

Juni: Gutartig von Pinja Partanen, Jasmiini Otelin, Elli Vuorinen (2009)

In seiner krassen, aber auch witzigen Einfachheit schafft es dieser finnische Animationskurzfilm - Jahre vor der Sperrung von Covid-19 - das Leben eines Mannes in Einsamkeit und Isolation zu vermitteln: aus dem Fenster starren, eine Zigarette rauchen, eine Fliege schlagen, Batman lesen, einschlafen. Was könnte drinnen los sein? Aus ihm wächst ein gewisser Vorsprung, unheimlich und doch mit einem Gesicht, einem Lächeln und Augen, die ihn ansehen. Zuerst besorgt, dann verwirrt, lernt er bald, seinen neuen Begleiter zu lieben. Er liest ihm vor, macht ein Selfie von beiden, backt sie als lustiges Lebkuchen-Duo, spielt mit ihm Xylophon und feiert den ersten Geburtstag seines neuen Freundes. Er ist verändert, er ist nicht mehr allein, das Leben macht Spaß, bis ... Benigni ist ein kleines Meisterwerk, das in nur acht fast stillen Minuten verpackt, gleichermaßen angenehm und verstörend ist. Ausgewählt und kommentiert von Andrea Sabbadini, London  

März: Anhänger (2010) von Nicola Constantino

Dieses hypnotische und fesselnde Video des bekannten argentinischen Künstlers Nicola Constantino, Mitglied der Bewegung / Gruppe "Zeitgenössische Kunst", wird durch eine gleichnamige Installation ergänzt. Anhänger. Gleichheit - Vervielfältigung, das andere Selbst, "das Doppel" / "Doppelgänger" sind Figur und "Leitmotiv" des Films und enthüllen die Träume, Wünsche und Phantasien von etwas Weiblichem. Anhänger entsteht aus dem Prozess der Schwangerschaft der Künstlerin im Alter von 45 Jahren durch einen anonymen Spender. Die Angst vor Mutterschaft und Unbekanntem wird in ihrem Kunstwerk herausgearbeitet: Sie schafft ihr Doppel und wird selbst zum Kunstwerk, zum Gegenmittel gegen die Einsamkeit oder zu zwei Körpern mit nur einer Seele gegenüber der Fremdheit (sagt) Nicola). Die literarischen und kinematografischen Quellen von Trailer verkörpern Freuds Vorstellung vom „Unheimlichen“ sowie das Konzept der Identifikation. Nicola nimmt ihren neugeborenen Sohn in den Film auf und entdeckt, dass sie nicht nur das Doppel nicht mehr braucht, sie sieht sie jetzt sogar als furchterregend an. Von Faszination und Entsetzen gepackt, könnte der Film uns zum Denken und Fühlen anregen ... ein bisschen jenseits des Bekannten. Ausgewählt von Gabriela Goldstein, Buenos Aires, März 2020. Spanisch | Französisch | Deutsch

November: Seele im Auge von Zózima Bulbul, 1973

"Soul in the Eye" ist ein klassischer Kurzfilm von 1973, der von Zozima Bulbul, einem Befürworter der afro-brasilianischen Kultur, gespielt und inszeniert wird. Musikalisch begleitet von 'Kulu se mama' von Julian Lewis erzählt der Kurzfilm die Geschichte von Schwarzen in Brasilien von ihrer Entführung aus Afrika zum Zweck der Sklaverei bis zur Gegenwart, als sie angeblich frei sind und Bürgerrechte genießen. Der Film in Schwarz und Weiß schreibt diesen Farben eine tiefgreifende Dialektik zu, in der der Körper, der wahre Wohnsitz der Seele und Schwarz in seinem Wesen, Verweis, Verdrängung und Verleugnung zugunsten eines bezaubernden weißen Gewandes erleidet, das die Seele, das Auge von unser Körper, mit Handschellen gefesselt und eingesperrt. Rassismus in Brasilien wird weiterhin massiv geleugnet und abgelehnt. Trotz dieser Ablehnung - parallel zur Rückkehr der Unterdrückten - in den Streitigkeiten und Bewegungen der Öffentlichkeit wird dieses Problem in jüngerer Zeit auch in unseren psychoanalytischen Institutionen angesprochen und diskutiert. Ausgewählt und kommentiert von Daniel Delouya

August:  Oh Willi (2012) von Emma De Swaef und Marc James Roels

Willy, der seine Liebe zu Tode verloren hat, stürzt in eine Welt, die noch nie zuvor gesehen wurde. Dies zeigt uns der preisgekrönte Kurzfilm, der von Emma De Swaef und Marc James Roels (Belgien, Frankreich und den Niederlanden, 2012) mit einem meisterhaften Sounddesign von Bram Meindersma sinnvoll geschrieben und inszeniert wurde. Willys Leben nimmt eine seltsame Wendung, ohne seinen vertrauten Komfort und seine Routine, nackt und allein. Welche Monster und Wunder treffen wir auf seinem Weg? Welche Gefahren, Bedrohungen und Überraschungen müssen angegangen werden? Wer darf hinter der nächsten Ecke warten? In einer Wollwelt mit nackter Haut schwebt Willy auf seiner stillen Suche nach Trost durch ein wundersames Universum. Naiv, verletzlich und doch mutig entschlossen, zieht Willy unsere Aufmerksamkeit auf sich. Seine seltsame Reise ist sehr bewegend. In turbulenten Zeiten schwieriger Verluste teilen wir mit Ihnen diesen überraschenden Kurzfilm, der in Szenen eines unerwartet delikaten und dennoch kraftvollen Drehbuchs dargestellt ist, von dem wir hoffen, dass er Sie wie uns in Erstaunen versetzen und umarmen wird. Oh, Willy! Ausgewählt und kommentiert von Cláudia Antonelli, Campinas, Brasilien.

Mai: Frau Tutli-Putli, von Chris Lavis und Maciek Szczerbowski (2007).

Die in Montreal ansässigen Filmemacher Chris Lavis und Maciek Szczerbowski, preisgekrönte Regisseure, Animatoren, Bildhauer, Collagenkünstler, Drehbuchautoren und Art Direktoren, nehmen uns mit auf eine mysteriöse, verwirrende, manchmal aufregende Reise. Madame Tutli-Putli - deren Name aus dem Titel eines 1920 erschienenen Buches des polnischen Schriftstellers Stanislaw Ignacy Witkiewicz entlehnt wurde - wurde bei den Oscar-Verleihungen 2008 mit einem meisterhaften Soundtrack von David Bryant und Jean-Frédéric Messier für den besten animierten Kurzfilm nominiert. Madame Tutli-Putli steigt in einen Nachtzug mit einem Schwanz persönlicher Gegenstände: Vergangenheit und Gegenwart, real und nicht, vertraut und unheimlich. Motten verfolgen sie von innen und außen. Traum, Albtraum oder ... Leben? Geht sie? Bewegt sie sich? Ist sie auf Reisen? Madame Tutli-Putli ist neben Figuren in Kostümen, die auf der Ikone des deutschen Malers George Grosz basieren, eine kontemplative Figur, deren Gefühle und Emotionen durch ihre Haut und ihre ausdrucksstarken Augen zu laufen scheinen. Eine Zugfahrt in die Nacht von Madame Tutli-Putli ist das, wozu wir Sie einladen, in der ICC-Kurzausgabe des Monats Mai. Ausgewählt und kommentiert von Cláudia Antonelli, Campinas, Brasilien. Verfügbar in: Spanisch, Französisch und Deutsch

Februar: Felix im Exil (von William Kentridge, 1994)

Den südafrikanischen Künstler William Kentridge und seine berühmten Animationsfilme zu entdecken, die durch aufeinanderfolgende Kohlezeichnungen produziert wurden, war für mich eine magische und transformative Erfahrung mit Kunst und Film. Die Verwendung von Holzkohle, erklärte Kentridge, ermöglicht es ihm, ein Bild zu löschen und zu übermalen, während Spuren seiner Vorläufer erhalten bleiben, wodurch ein mentaler Prozess wie der von Freud in A Note Upon the 'Mystic Writing Pad' (1925) beschrieben wird. Kentridges Kunst, sanft und albtraumhaft, betrachtet, was wir ignorieren möchten: Unser Verlangen nach Liebe und Angst vor Verlust lässt uns aufkommen, wo brutale Politik, soziale Ungerechtigkeit und menschliches Leid unseren Geist durchdringen, unsere Träume infiltrieren und unsere Herzen durchdringen. Felix, ein Mensch, der bis ins Mark nackt ist, blickt in die Augen einer Frau, die ihn ansieht, und kämpft mit der Flut beunruhigender Bilder. Er kann oder wird sie nicht löschen, und wenn sie für einen Moment verschwunden sind, tauchen sie im nächsten langsam oder mit einem plötzlichen Ruck wieder auf. Sein Exil ist sein Verstand. Kentridge hat einmal über die Zerstückelung der Vergangenheit gesprochen, und es ist mir aufgefallen, dass die Ergänzung das Erinnern ist, das zusammensetzt, was zu uns kommt. Das Lied unserer Gegenwart schwankt zwischen dem Wunsch zu vergessen und der Notwendigkeit, es wiederzugewinnen. Es ist traurig und erhebt ein Bild, um es mit dem nächsten zu versenken. Was auf einer Seite gehalten wird, fliegt weg und was nachts erscheint, verschwindet am Tag. Ausgewählt von Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston, Februar 2020.

Oktober: Puppengesicht von Andy Huang, 2007

Andy Huangs preisgekrönter Kurzfilm ist eine gekonnte Mischung aus Musik, digitaler Animation, Computergrafik und Roboterformen, nicht ohne Anspielungen auf Film und Literatur: Das gebrochene Auge der Puppe spiegelt Bunuels „Chien Andalou“ wider, und seine zitternden Metallanhänge kämpfen wie Kafkas Insektenpfoten. Auf einen sich bewegenden Metallkörper implantiert, erweckt das Puppengesicht, das aus den Schatten erwacht und verzweifelt versucht, zum Leben zu erwecken und eine verwirrende Welt auf dem Bildschirm zu erfassen, die uralte Faszination, den Traum und den Albtraum der Suche des Menschen nach Belebung des Unbelebten wieder. Gefangen von seiner eigenen Technologie bricht das wiederbelebte Gesicht auf seinem filiformen Metallkörper schließlich auseinander, als die Welt auf dem Bildschirm zusammenbricht. Huangs Botschaft wirft beunruhigende Fragen nach der Kraft visueller Bilder in unserer heutigen Welt und dem Risiko auf, fiktive, nachahmende Identitäten, puppenhafte TV-Modelle aufzubauen, die nur Affekte und Emotionen vortäuschen. Wird unsere immer ausgefeiltere Kommunikationstechnologie eine Welt schaffen, die eher in den Ruin treibt als die Pracht zu entfalten, die sie ankündigt? Ausgewählt und kommentiert von Paola Golinelli, Bologna

Juli: AM MEER von Charlie Chaplin (1915)

Charlie sagt: Letzte Nacht hatte ich einen Traum. Ich war am Meer, es war sonnig und warm und ich ging friedlich entlang und genoss meine Banane… Dann sah ich meinen Bruder. Er hatte einen Streit mit seiner Frau, weil er betrunken war, also mischte ich mich ein und wir gerieten in einen Streit. Er griff nach meinem Hut und ich mochte ihn nicht, wir kämpften ein bisschen, nur brüderlich ... Wie auch immer, seine Frau war gegangen, aber sie kam zurück, sie mag mich. Sie lächelte mich an, als würde sie gerne sehen, dass ihr Mann ein wenig geschlagen worden war. Nichts Ernstes. Dann haben wir uns geschminkt und sind ein Eis gegangen. Aber er wollte nicht bezahlen, und darüber haben wir uns gestritten. Am anderen Ende der Bar war dieser riesige Kerl - er erinnerte mich ein wenig an meinen Vater, denselben Bauch, dieselbe pompöse Kleidung. Irgendwie hat er sich engagiert, aber ich bin weggerutscht, und da war der Schatz dieses Typen, ganz allein und besorgt. Ich setzte mich neben sie, um sie zu beruhigen. Wir hatten eine schöne Zeit. Aber plötzlich kam ihr Mann zurück und bedrohte mich, weil ich mit seiner Frau gut lachte. Ich rannte zu meiner Schwägerin und zurück, um alles zu erklären. Sie alle kamen jedoch hinter mir her. Sie sprangen auf die Bank, auf der ich saß ... Ich fürchtete um mein Leben - und fiel aus dem Bett ... Ich wachte mit klopfendem Herzen auf. Ausgewählt und kommentiert von Cordelia Schmidt-Hellerau, Boston  

April: FISCHAUGE (1980) von Josko Marusic

In der Zeit des ehemaligen Jugoslawien (1945-1991) gab es eine weltberühmte Künstlergruppe, die als Zagreber Animationsschule (1956-1983) bekannt war. Eines ihrer Meisterwerke ist FISHEYE (1980) von Josko Marusic. Dieser spannende Kurzfilm, der vor 40 Jahren erstellt wurde, scheint heute fast vorausschauend zu sein, da wir mit der wütenden Coronavirus-Pandemie zu kämpfen haben. Es ruft Schock und Entsetzen hervor und konfrontiert uns mit der Kraft der Natur. Wie diese metaphorischen Fischer nutzen und missbrauchen wir unseren Planeten und seine Ressourcen ohne Sorgfalt oder Grenzen. Doch wenn die Natur zurückschlägt, fühlen wir uns hilflos. Die Schwärze der inneren Nacht tritt in Schreckensgefühlen auch zu Hause, in der Sinnlosigkeit einer verspäteten Fluchtversuche und schließlich in leeren Straßen und vor den Augen verstümmelter Leichen in den Vordergrund. Das plötzliche Erscheinen eines stummen Feindes mit seiner unaufhaltsamen Aggression, ausgedrückt im grimmigen Blick des Fisches, wird der malerischen Landschaft eines kleinen mediterranen Dorfes am Meer gegenübergestellt. Am Ende des Films, wenn der Tag bricht, schauen wir aus der Ferne auf die Silhouette eines jetzt größtenteils leeren, leblosen Dorfes. Mit seinem einzigartigen Zeichenstil hat Marusic (der in seinen Cartoons auch geschickt und geschickt die Realität des heutigen Kroatiens kommentiert) zusammen mit dem Schriftsteller Goran Babic und der Komponistin Tomica Simovic (deren dramatischer Soundtrack uns an Hitchcocks Filme erinnert) schuf ein zeitloses Kunstwerk, das uns die Zukunft zeigt, die sich in der Brillanz des Fischauges widerspiegelt. Ausgewählt und kommentiert von Stanislav Matacic, Zagreb, Kroatien.

Januar: Tale of Tales von Yuriy Norstein (1979)

Ein russischer animierter Kurzfilm, der Ihre Fantasie und Ihr Herz fesseln wird. Sicherlich schwingen Bilder und Klänge über nationale Grenzen hinweg mit und erinnern uns daran, warum und wie Kunst künstliche Grenzen überschreitet. Dieser Film wurde ausgezeichnet und wird von vielen als der beste Animationsfilm aller Zeiten angesehen! Ich ermutige Sie, zuzusehen, bevor Sie über Tale of Tales lesen. Ich tat es und schwebte immer noch vor seinem Winter, Musik, Tanz, halb aufgegessene gefallene Äpfel, Krieg, Jugend, Verlust, Eltern, Frauen, Lyren, Altern, Säugling, Augen, Abschied - Licht / Feuer / Buchstaben ... Und all diese alltäglichen Tiere: Katze, Fisch, Seilspringender Stier, Krähen, wandernder Wolf, die uns die Geschichte des Lebens in ihren magischen Transformationen erzählen, die mehr als sowjetische Signifikanten sind ... sie sind der menschliche Zustand. Ausgewählt von Barbara Stimmel, New York, Januar 2020.